Archive for the ‘Arte y Artesanías’ Category

UN VIAJE CON LOS HUICHOLES

 

Los Huicholes son una de las únicas etnias que ha logrado permanecer “pura” desde tiempos de la conquista española. Se refieren a sí mismos como “Wirrárrica” o “Wirraritari” (plural). No se sabe si la palabra “huicholes”es una variación de “Wirrárrica” o “Wixarika”. Se encuentran en las montañas de la Sierra Madre Occidental, al norte de Jalisco, las montañas son habitadas por una mística cultura la huichol; en la cual se crean constantemente enigmáticos mundos cuyos protagonistas recurrentes son lunas, soles, árboles, laberintos, espirales, montañas y océanos cósmicos que incansablemente aparecen expresados en el arte, la religión y las costumbres de los Huicholes, un pueblo de artístas huicholes que se ha mantenido indemne de influencia externa a través de los siglos provienen del Oeste central de Mexico, donde los huicholes viven en lugares retirados de la Sierra Madre Occidental en los Estados de Nayarit y Jalisco.

 

 

 

Los Huicholes se rigen por una casta de chamanes, guerreros y hechiceros misteriosos que libran épicas batallas en el plano sobrenatural, con el fin de resolver problemas y asuntos mundanos o divinos. Al gobernador se le conoce como Mara’akame “aquel que sabe”. Esta casta prepara a nuevos chamanes o Matewame, “aquel que sabrá”, para mantener vivo el linaje y conocimiento. El sistema Huichol de autoridad tradicional actual es una mezcla de organización grupal prehispánica con costumbres impuestas por los misioneros. Entre estas autoridades, están los “kawiteros” (ancianos), quienes han cumplido con sus obligaciones civiles y religiosas para con la comunidad, aparte del hecho de que cuentan con el conocimiento de las tradiciones del grupo, es por eso que son los miembros más respetados y venerados de la comunidad. El kawitero es responsable de elegir a los miembros del gobierno tradicional, que se renueva cada año en una ceremonia donde se intercambian varas de madera “varas de poder”. Esta ceremonia se realiza en enero de cada año. El gobierno se compone de una serie de oficiales encabezados por el “taotani” (gobernador), cuya principal función es de carácter judicial, aparte de jugar un intricado rol en la toma de todas y cada una de las decisiones. Otros funcionarios son el juez y el alcalde, los tenientes o delegados y  los “topiles”, cuya principal función es como mensajeros o policías y que están bajo las órdenes de un capitán. Existen también otros cargos religiosos asignados a cada templo o “tupika”.

Este documental trata sobe esta ancestral cultura precolombina de los Huicholes o Wirraricas que peregrinan cada año al desierto de Wiricuta a recolectar el cactus sagrado del peyote o Hicuri para sus ceremonias con la Pacha Mama o Madre Tierra- Esto lo llevan haciendo miles de años. El estado mexicano a dado 22 concesiones a una compañía minera canadiense para hacer prospecciones mineras a cielo abierto en busca de plata. Si este proyecto se lleva a cabo toda la cultura sagrada de los huicholes será destruída

 

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TROFOBIOSIS

 

 

Trofo – quiere decir alimento
Biosis – quiere decir existencia de vida
Por lo tanto, Trofobiosis quiere decir: Todo y cualquier ser vivo solo
sobrevive si existe alimento adecuado y disponible para él.
En otras palabras: La planta o una parte de la planta cultivada sólo
será atacada por un insecto, ácaro, nemátodo o microorganismos (hon-
gos o bacterias), cuando tiene en su savia exactamente el alimento que
ellos requieren. Este alimento está constituido principalmente por
aminoácidos que son sustancias simples y solubles. Para que la planta
tenga una cantidad mayor de aminoácidos, basta tratarla de manera equi-
vocada.
Por lo tanto, un vegetal saludable, bien alimentado, difícilmente será
atacado por “plagas” y “enfermedades”. Dichas “plagas” y “enfermeda-
des”, mueren de hambre en una planta sana.
EQUILIBRIO BIOLÓGICO
En la agricultura, se llama equilibrio biológico al control realizado
por predatores y parásitos en el crecimiento de la población de insectos,
ácaros, nemátodos, hongos, bacterias y virus. Podemos citar como ejemplos, los casos de:
Pulgón (plaga), controlado por mariquitas (predator)
Gorgojo (plaga) controlado por baculovirus (parásito)
Ese equilibrio es importante para mantener las poblaciones de in-
sectos y enfermedades que pueden ser perjudiciales en un nivel que no
cause daño económico.
No solamente la muerte de los enemigos naturales son la cau-
sa del surgimiento de “plagas” y “enfermedades” en los cultivos.
Existen otros factores que pueden causar un aumento
descontrolado de esas poblaciones de insectos y enfermedades.
A. La resistencia o sensibilidad de la planta al ataque de insectos y
microorganismos está relacionada al uso o no uso de agrotóxicos y
abonos de alta solubilidad (quím~cos), a su nutrición (abonamiento equi-
librado o desequilibrado) y a tratamientos culturales adecuados o
inadecuados.
B. Las plagas y enfermedades sólo atacan a las plantas que fueron mal-
tratadas de alguna forma.
C. Esas plantas maltratadas tienen en su savia productos libres (prin-
cipalmente los aminoácidos) que los insectos y enfermedades necesitan
para alimentarse y vivir.

 

JAIRO RESTREPO

Nacido en Colombia y naturalizado en Brasil. Ingeniero Agrónomo de la Universidad Federal de Pelotas, Rio Grande del Sur, Brasil. Con tres cursos de postgrados: Ecología  y  Recursos Naturales; Ingeniería de Seguridad Ocupacional  Agrícola y Agroecología.

Ha realizado 23 cursos internacionales de actualización y perfeccionamiento en el área  de agricultura orgánica. Ha publicado cuarenta trabajos científicos y artículos técnicos. En los últimos siete años ha dado a conocer dieciséis libros en el tema de agricultura orgánica.

A nivel internacional ha dictado más de 750 conferencias en el tema de agricultura orgánica, protección ambiental, análisis cromatográfico de suelos, reciclaje y desarrollo rural sostenible, incluyendo la participación en más de treinta y siete universidades e institutos de investigación de América latina, el Caribe, África, Australia y Europa, donde también ha trabajado como asesor técnico de gobiernos, ministerios  y parlamentos.  Cuenta con una experiencia laboral e internacional de treinta años en agricultura orgánica y desarrollo rural sostenible.

En los últimos diecisiete años viene trabajando como fundador, capacitador y asesor permanente de varias organizaciones no gubernamentales,  fundaciones,  programas y cooperaciones internacionales en las que también ha dictado más de setecientos  cursos:  México, Guatemala, El Salvador, Honduras, Nicaragua, Costa Rica, Cuba, Panamá, Belice, Colombia, Ecuador, Perú, Bolivia, Argentina, Uruguay, Venezuela, Brasil, Chile, Mozambique, España, Australia, Bélgica, Italia y Holanda,  países en los cuales se distribuyen sus publicaciones.  Como consultor de la Organización de las Naciones Unidas–ONU; ha trabajado con UNESCO, Panamá; OIT (Organización Internacional del Trabajo) Costa Rica, Panamá, Honduras, Guatemala y Cuba; FAO; Chile y Brasil; PNUD- Panamá y Brasil; OMS/ OPS- Brasil.

SU WEB :

http://lamierdadevaca.com/web/

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EL GUERERO DE LA BASURA

Michael Reynolds es un arquitecto norteamericano que, preocupado por el medio ambiente y por innovar en el diseño, decide implantar una casa completamente sostenible y que perjudique lo menos posible al medio ambiente: se provee agua a sí misma, mantiene automáticamente una temperatura confortable o recicla sus propios desperdicios. Por tal de poder tirar adelante su proyecto Reynolds tendrá que batallar duramente contra la burocracia y demás instancias, convirtiéndose la suya en una historia involuntariamente cuasi-épica, para así poder presentar al gran público este modelo de vivienda.

 

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LA TIERRA DE LAS MIL ORQUESTAS

 

El Sistema Nacional de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela, Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2008, busca alejar de la incultura y de la violencia a miles de niños y jóvenes venezolanos. Un proyecto del que el tenor español Plácido Domingo es un entusiasta. Por eso ha puesto su voz a la narración de un documental que analiza este revolucionario método.

La tierra de las 1.000 orquestas es un documental sobre la historia y los logros del Sistema Nacional de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela. Un método que ha formado estrellas de la música de fama internacional al tiempo que ha sacado de la calle y alejado de la violencia y la pobreza a miles de niños venezolanos condenados a la marginación.

“El Sistema”

En los últimos años se ha ido materializando ante los desconcertados ojos y oídos europeos un fenómeno que empezó a fraguarse en Venezuela hace más de 30 años: “El Sistema nacional de orquestas infantiles y juveniles de Venezuela”. La incultura está alejando de la incultura y de la violencia a cientos de miles de niños y jóvenes venezolanos que estaban fatalmente condenados a la marginación y a la desesperanza.

El Sistema nació con este propósito pero está yendo más allá, está creando estrellas musicales y orquestas reconocidas a nivel mundial. Este es el caso de la Joven Orquesta Simón Bolivar y de su director, Santiago Dudamel, una superestrella a nivel internacional que es invitado con regularidad a dirigir las principales orquestas del mundo.

“Los protagonistas”

José Antonio Abreu; Es el visionario fundador del sistema hace ya más de 30 años. Dirig

ía las clases en sus orígenes y en la actualidad continúa al frente de la organización que aglutina a más de 1500 profesionales y casi medio millón de alumnos.

Gustavo Dudamel: Máxima figura salida del sistema. Fue uno de los primeros estudiantes del sistema. Dirige con regularidad la Joven Orquesta Simón Bolivar, labor que alterna con la conducción de las principales orquestas del mundo como director invitado.

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Lo mágico, enigmático y místico en el arte de Remedios Varo

Josefa Zambrano Espinoza

Ábrete, ábrete pequeña hoja verde;

ábrete, ábrete gran puerta de piedra.

Leonora Carrington

 
A través de los siglos, su voz es la de todas las mujeres. Mujeres que vivimos en un mundo donde la palabra y la agresividad viriles aún tienen la fuerza para hacer de la guerra, por ser “cosa de hombres”, un arte, pero, afortunadamente, ese poder es insuficiente para hacer del arte una guerra, pues el talento, el genio, también es “cosa de mujeres”.“Soy mujer, pero tengo talento”, clama Lisístrata desde la Acrópolis.

De ahí que sean las mujeres quienes en las guerras han padecido y padecen las más terribles congojas, y en el arte sólo su avasallante talento, su genio, ha sido y es el que, trascendiendo el tiempo, avala el genuino valor artístico y universal de sus obras.

Este es el caso de Remedios Varo, una mujer signada por las guerras y el genio artístico. Creadora de una original, fascinante, enigmática y poco conocida obra, gracias a la cual, 37 años después de su muerte, el Museo Nacional de Mujeres Artistas en Washington, D. C. (único museo en el mundo dedicado a las obras de arte creadas por mujeres) ha exhibido una extraordinaria retrospectiva de su pintura, valorando así el nombre y el arte de “una de las pintoras más importantes del siglo pasado”. Mas ¿quién es Remedios Varo?
Los connaisseurs la presentan como una de las principales exponentes del “surrealismo mexicano tardío”, pues fue en México —pa

ís de rasgos socio culturales señaladamente machistas— donde coincidencial y paradójicamente floreció la obra de tres mujeres vinculadas al movimiento surrealista: Leonora Carrington, Frida Kahlo y Remedios Varo.Ecos de una vida

María de los Remedios Varo Uranga, hija de la extravagante unión de un librepensador ingeniero hidráulico y de una devotísima católica, nació en Anglés, España, en 1908.

El flautista

Debido a la profesión del padre, la familia viajaba frecuentemente a través de las geografías española y norteafricana. Para mantener entretenida a la niña, que ya daba muestras de su talento para el dibujo y la pintura, el padre la sentaba a su lado mientras trazaba los planos y diseñaba los aparatos mecánicos de sus proyectos hidráulicos, pero, a todas éstas, la madre consideraba que su hija no estaba recibiendo la formación apropiada para una niña de buena familia y decidió internarla en un colegio de monjas.

Tránsito en espiral
En San Fernado fue condiscípula de Dalí y de Gregorio Lizarraga, con quien se casó luego de graduarse. Juntos se marcharon primero a París y después a Barcelona —en ese momento la capital del modernismo español—, y allí se vincularon con Oscar Domínguez, Esteban Francés, Marcel Jean y otros artistas de vanguardia.Cuando la familia se estableció definitivamente en Madrid en 1924, el padre, conocedor de su aptitud para la pintura, la estimula para que ingrese — a pesar del escándalo y disgusto de la madre y sus amigas— a la Academia de San Fernando, donde se convirtió en una de las primeras mujeres estudiantes de arte.

Al estallar la guerra civil española, Remedios se separó de Lizarraga y retornó a París.

Paris era luz y arte, y el arte era surrealista. Conoció a Benjamín Peret y se unieron sentimentalmente en 1937. Peret la introdujo en el círculo de los surrealistas e, inmediatamente, se creó la empatía y afinidad entre Breton, Eluard, Crevel, Desnos, Miró, Arp, Naville y ella.

Locomoción capilar¡

Nuevamente la guerra! París cayó bajo las los cascos, las botas, los tanques y la cruz gamada Nazis; Peret y Varo lo hicieron tras las rejas del gobierno de Vichy, el cual los mantuvo en un campo de concentración hasta finales de 1941 cuando con la ayuda del Comité para Rescates de Emergencia, pudieron escapar a México, donde serían acogidos por la inmensa comunidad de artistas exiliados en ese país.

Corría el año 1947 cuando Peret decidió regresar a París. Varo lo acompañó, pero ya no fue la misma en Europa. Era una mexicana en París y sentía que su antiguo grupo del círculo surrealista ya no era más su gente. Extrañaba al país y al pueblo que la habían acogido y que ella había hecho suyos. Retornó a México, y esta vez fue para siempre.

En 1952 contrajo matrimonio con Walter Gruen —un refugiado político austriaco—, quien, como su padre, al darse cuenta de su singular talento la estimuló y ayudó para que se dedicara exclusivamente a pintar, ya que desde su llegada a Ciudad de México se ganaba la vida como diseñadora y decoradora. De este modo nació el período más fructífero en la producción artística de Varo, el cual se vio truncado de manera intempestiva en 1963 cuando, víctima de un ataque cardiaco, falleció a la edad de 55 años.

La llamada
La memoria comienza a andar y desandar sin hallar la respuesta concreta, ya que ésta se encuentra en las experiencias infantiles, en los sueños y en las imágenes que pueblan el arte universal. Por lo tanto, lo ya visto está en las iluminaciones y las miniaturas medievales; en los cuadros de Giotto y Lorenzetti; en la pintura del Primer Renacimiento italiano, especialmente Fra Angélico; en Hyeronimus Bosch, Pieter y Jan Breughel y Lucas de Leiden, y desde luego, en el arte surrealista.Remedios Varo, según Luis Martín Lozano (el crítico que por conocer mayormente su obra, ha sido el curador de la exposición en el MNMA), “tiene un pie en la tradición, y el otro, en la experimentación, pues sus cuadros son como enigmáticas preguntas que no tienen una respuesta específica”. Realmente, ante sus obras el espectador se tropieza con elementos que le resultan sumamente familiares y comienza a preguntarse: ¿dónde he visto este cuadro antes?

En su obra se amalgaman los sueños, los recuerdos de la infancia, las vivencias femeninas y los temores y horrores de la guerra; la búsqueda del conocimiento y la verdad a través de la ciencia, la religión y la filosofía. Su espíritu explora y se adentra en las teorías que van desde la de la gravitación universal hasta la de la relatividad; en el misticismo, el tantrismo y el budismo zen; en el psicoanálisis y, especialmente, los trabajos de Jung; en el Apocalipsis de San Juan y el Corpus Hermeticum que comprende algunos tratados de filosofía neoplatónica y gnóstica, así como también sobre el orfismo, la alquimia, la magia, la metapsíquica, la qabbalah, etc., y el tarot. Por eso, cuando en México conoció a la pintora y escritora Leonora Carrington, de inmediato se hicieron grandes amigas, pues la sensibilidad artística compartida llegaba a tal punto que Varo se refería a Carrington como “mi alma gemela en el arte”.


Salvo en obras como “Hacia la torre” (1960), donde la naturaleza es sombría y predominan los colores oscuros tanto en las edificaciones como en los personajes, el lenguaje visual de Remedios Varo ilumina con su color y su magia la posibilidad de acceder a una realidad más allá de la cotidiana; de transportarse a fantásticos mundos en los cuales los hombres se transmutan en gatos, porque de ellos será el paraíso; las mujeres viajan en extrañas barcas o alimentan con puré de estrellas a la luna o reciben llamadas para ascender a otros planos de la existencia; los juglares hacen malabarismos con la piedra filosofal; las naturalezas muertas resucitan y en las nubes la Jerusalén celestial gira sin detener jamás su movimiento.En la obra de Varo la imaginación, como decía Breton, no perdona.

Para Varo todo es posible. Al hacer uso de la decalcomanía, el fumage y el frotagge —técnicas muy usadas por los pintores surrealistas—, metaforiza el mundo interior y los cambios existenciales, de ahí que en “Gato-hombre” (1943) logre transmutar un ser en otro. Nada la detiene en su búsqueda de nuevas dimensiones metafísicas y espaciales, y para hallar el perfecto equilibrio en “Tránsito en espiral” (1962), los personajes se mueven incansablemente a través de interminables circunvoluciones alrededor de su Jerusalén celestial. Igual sucede en “Naturaleza muerta resucitando” (1963), en la que, al trastocar los conceptos de tiempo, energía y cosmos, se aleja de la racionalidad de las ciencias, penetra en el reino de la metapsíquica y logra insólitos efectos visuales. También en “Paraíso de gatos” (1955), uno de sus más fascinantes cuadros, se vale de su exquisito humor y lo pone al servicio de la imaginación y el color para burlarse de los humanos que andamos tras el paraíso perdido, pues para alcanzarlo tendremos que trasmutarnos en gatos, ya que su edén está sólo reservado para las Cleopatras y los Renés Mermelados que maullarán y jugarán felices por toda la eternidad.

La música

En consecuencia, ante la obra de Remedios Varo hay que admitir que las tonalidades, el movimiento, la alegría, la luz y los enigmas han hecho de su imaginario una expresión de lo maravilloso, por eso en sus autorretratos “La llamada” (1961) y “Exploración de las fuentes del Río Orinoco”(1959), su radiante figura avanza portando el divino elixir o navega en beatífica gracia, pues sabe que definitivamente ha abierto la “puerta de piedra” y revelado los arcanos de la existencia donde, como decía Breton, “solamente lo maravilloso es bello”.

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SESSHU, PINTOR ZEN

SESSHU, PINTOR ZEN

Sesshū Tōyō (雪舟等楊? , conocido también como Sesshūprovincia de BitchūJapón1420 – 1506), fue uno de los principales expositores del suibokuga (pintura con tinta), y un monje budista zen. Es considerado uno de los maestros de la pintura japonesa.

Nació dentro del clan Oda, en la provincia de Bitchū (actual prefectura de Okayama). Se convirtió en un monje zen en 1431, y estudió en el templo Hōfuku-ji, en la ciudad de Sōja. En 1440 se trasladó al templo Shōkoku-ji en Kioto, en donde continuó sus estudios zen y aprendió pintura de parte del monje Shūbun. En esta etapa imitó las técnicas de los pintores paisajistas de la China de la dinastía Sung, tales comoMa Yuan y Xia Gui.

Durante la década de 1460, se trasladó a un templo budista zen en Yamaguchi, al extremo oeste de Honshu; y posteriormente en 1467realiza una misión de dos años a China, acudió a la Corte Imperial en Pekín y logró pintar un mural en el palacio; también durante su estancia en China acudió a varios monasterios zen chinos.

A su regreso a Japón en 1469, logró mejorar sus composiciones basadas en el estilo chino, que eran más racionales y tenían mayor intensidad y solidez en sus pinturas que las de su maestro, consideradas más incoherentes y poéticas. Con Sesshū reemplazó el tema del vacío en la pintura zen japonesa e incorporó las montañas, árboles, ríos, templos y personas en sus pinturas, elementos de la pintura china Ming. En esta etapa pintó biombospergaminos, paisajes y figuras zen.

La escuela Zen es la peculiar manera china de conseguir la meta budista de ver el mundo tal como es, es decir, con una mente que no tiene pensamientos ni sentimientos de apego (en sánscrito, trishna). A esta actitud se la denomina no mente (en chino, wu-hsin), un estado de conciencia en el que los pensamientos se suceden sin dejar ningún rastro.

A diferencia de otras formas de budismo, el Zen sostiene que tal libertad mental no puede obtenerse mediante una práctica gradual, sino que debe llegar mediante una idea directa e inmediata (en chino, tun-wu; en japonés, satori). Así pues, el Zen abandona tanto las teorías como los sistemas de práctica espiritual y comunica su visión de la verdad por un método conocido como iluminacion directa

En 1476,  Sesshu fundó un estudio cerca de la prefectura de Ōita llamado Unkoku-an (雲谷庵?), en donde enseño pintura y viajó alrededor de Japón durante sus últimos años.1 Algunas fuentes indican que murió el 8 de agosto de 1506, aunque no está del todo confirmado.

La técnica de Sesshū fue continuada por BunseiShengon y Soga Rasoku, fundador de la escuela Soga de pintura.

Existen seis obras que están debidamente acreditados a Sesshū, todas éstas designadas como Tesoros Nacionales.

Existen otras obras que se le atribuyen, pero no están del todo corroboradas. Entre sus pinturas se encuentran el Rollo del largo paisaje, la Vista de Ama-no-Hashidate, los biombos Flores y enebro y Halcones y garzas.

Los trabajos de Sesshū se encuentran en el Museo Nacional de Tokio,2 la Galería Freer de Arte en Washington, D.C. y el Museo de Bellas Artes de Boston.

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EDWARD HOPPER  1882 / 1967

Autorretrato, 1925-30, óleo sobre lienzo, 64’5 x 52’4 cm., Whitney Museum of American Art, Nueva York

Famoso pintor estadounidense célebre sobre todo por sus retratos de la soledad en la vida estadounidense contemporánea.

Lo mejor del Museo Thyssen-Bornemisza

Habitaci’on de hotel 1931

Tras asistir a una escuela de arte para publicidad, inició sus estudios de en la New York School of Arts y posteriormente viajó a Europa entre 1906-1910, interesándose por el impresionismo, especialmente Degas y Manet, y la pintura barroca holandesa liderada por Rembrandt y Hals. Abandonará temporalmente la pintura en 1915 para realizar durante casi ocho años numerosos grabados. Recuperó la actividad pictórica y realizó diversas exposiciones con las que cosechó importantes éxitos, convirtiéndose en el líder de la llamada escuela realista americana. Hopper se interesará por escenas de la ciudad y el campo dotadas de acentuado simbolismo, en las que la soledad y el erotismo están casi siempre presentes. La tristeza y desesperanza de sus personajes será otra de las características de su pintura, sin renunciar al estudio de la luz y el color, acercándose a la fotografía como se aprecia en su obra más reproducida ‘Halcones de la noche’.

 (Halcones de la noche), óleo sobre lienzo, 72,2 x 144 cm., 1942, The Art Institute of Chicago

Abandonará temporalmente la pintura en 1915 para realizar durante casi ocho años numerosos grabados. Recuperó la actividad pictórica y realizó diversas exposiciones con las que cosechó importantes éxitos, convirtiéndose en el líder de la llamada escuela realista americana. Hopper se interesará por escenas de la ciudad y el campo dotadas de acentuado simbolismo, en las que la soledad y el erotismo están casi siempre presentes. La tristeza y desesperanza de sus personajes será otra de las características de su pintura, sin renunciar al estudio de la luz y el color, acercándose a la fotografía como se aprecia en su obra más reproducida ‘Halcones de la noche’.

 El creciente interés concitado por la pintura de Edward Hopper -quien ha sido elevado a la categoría del artista norteamericano más representativo del siglo XX- cabe preguntarse por las causas de este fenómeno, más aún cuando Hopper como artista no fue nunca un revolucionario: ni en su técnica pictórica, ni en su lenguaje artístico, ni, tampoco, en la elaboración intelectual que se hallaba tras sus telas. Hopper  fue más bien un conservador, incluso un reaccionario ; el concepto aplicado a su pintura, american scene painting, refleja a la perfección su mundo: un universo en el que no tenían cabida las rupturas de la abstracción y las inquietudes vanguardistas de la pintura europea. Sin embargo, aunque Hopper no lo supiese, lo que pintaba era un mundo sin salida, donde sus habitantes estaban atrapados. Todos sus cuadros parecen encerrarse en una impotencia tranquila, resignada, que fluye desde el rostro de las figuras solitarias o se disemina por las escenas urbanas.

En Drug Store, de 1927, vemos una farmacia, un almacén, en una esquina. Es de noche, y el establecimiento está iluminado por unas lámparas en el porche, y por las luces del escaparate. Se adivinan las sombras de la calle. La quietud rompe el color del aparador. No hay nadie, todo está vacío. Hopper nos muestra la América de la gran depresión, y, después, la del triunfo del capitalismo, pintando, sin saberlo, el hombre sin atributos, el ciudadano sin sueños, el ser humano sin horizontes, atado al tedio infinito que sienten esos dos bañistas recogidos en Sea Watchers. Esos ‘Halcones de la noche’ que pintaba Hopper en Nighthawks, esos noctámbulos, son unos náufragos perdidos, ensimismados, refugiados en su propia soledad, en su impotencia vital, que soportan una condena más dura que su aislamiento, pese a que los veamos a veces en sus estancias soleadas, pese a la alegría aparente que se asoma por las ventanas. Hopper quería pintarse a sí mismo, pero nos enseñó, sin pretenderlo, la putrefacción del capitalismo, el sueño americano encerrado en un frío restaurante o en una sórdida habitación de hotel.

Pintura idealista americana por el modernista Hopper.

En la obra de Hopper se deja entrever una profunda soledad, las inclinaciones thanáticas que yacen debajo del optimismo americano; la decrepitud del capitalismo tardío, el pesimismo postmoderno ha decretado la muerte de toda tentación de cambio social, de la idea misma de progreso. Hopper es un lúcido testigo de la gran Depresión, el primer pintor americano en retratarla.

El Faro

El texto que constituye el prólogo natural de estas pinturas no es otro que el de Herman Melville, las primeras páginas de ‘Moby Dick’: ‘Apostados como centinelas silenciosos en toda la ciudad, permanecen inmóviles en la contemplación oceánica…Pero son todos terrestres; de día, encerrados entre madera y argamasa, atados a mostradores, clavados a los bancos, ligados a las mesas. ¿Cómo es esto? ¿Han desaparecido los campos verdes’.

Así, Edward Hopper es el primer pintor norteamericano en contraponer al regionalismo sentimentalista de los años ’30 el realismo de calles vacías, de casas solitarias, de ciudades anónimas, de gasolineras abandonadas. De los perfiles velados por la melancolía y el clima, de la así llamada ‘American Scene’, fría e impersonal, como si el lienzo fuera el registro agujereado por la descarga a quemarropa de dos gangsters al amanecer.


                                                                                  Dr. Adolfo Vazquez Rocca.

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